• Une nouvelle galerie d’art pour le West End

    Posted on juillet 20, 2020 by in Uncategorized

    Les foires d’art annulées, les économies en contraction et le spectre imminent d’un deuxième pic de coronavirus n’offrent pas le climat le plus propice au lancement d’une nouvelle galerie. Mais les temps sombres n’ont pas découragé l’intrépide Niru Ratnam dont le nouvel espace au premier étage a ouvert ses portes cette semaine au cœur du West End de Londres, juste à côté de Carnaby Street.

    «C’est une période absolument folle d’ouvrir une galerie», explique Ratnam, qui depuis deux ans était directeur de la galerie König à Marylebone. « J’allais ouvrir en avril, puis un coronavirus s’est produit et si j’avais été raisonnable, j’aurais pensé que c’était un signe de ne pas aller de l’avant, mais au lieu de cela, je pensais bien, faisons-le. »

    De sa seule pièce au-dessus d’un café thaïlandais, la galerie Niru Ratnam embrasse ce que Ratnam décrit comme «une perspective minoritaire-majoritaire», en se concentrant sur le travail des artistes de couleur et des femmes artistes, mais avec une touche légère. « Je ne veux pas être trop polémique à ce sujet, mais juste pour changer les choses, donc au lieu d’être 80% de blancs et quelques personnes de dans d’autres parties du monde, c’est probablement l’inverse », dit-il.

    Ratnam est un critique virulent des inégalités du monde de l’art depuis de nombreuses années. Il a écrit de nombreux articles sur la race, l’identité et les préjugés blancs du monde de l’art dans la presse artistique et au-delà (sa première pièce écrite alors qu’un stagiaire de Frieze était sur la dissimulation de Freddie Mercury de ses origines indiennes) et au début des années 2000, il dirigeait même un Arts Council programme consacré au placement de commissaires stagiaires non blancs dans des institutions telles que la Tate, la Serpentine et la Hayward Gallery. Parmi ses autres rôles, citons un stage de trois ans sur l’histoire de l’art post-colonial à l’Open University, la direction d’Aicon Gallery qui se spécialise dans l’art indien et pakistanais, et la direction de diverses foires d’art – Art 13, Art 14 et START. —Tous mettaient particulièrement l’accent sur la représentation de l’art mondial. Il admet également être l’un des contributeurs anonymes du site Web du monde de l’art brutalement critique, Cathedral of Shit.

    « Ayant été en colère jeune, mais maintenant d’âge moyen, au lieu d’aller sur Twitter et de crier aux gens, cela semblait un bon moment pour faire quelque chose d’un peu plus concret », déclare-t-il, ajoutant que« travailler pour une grande galerie m’a fait réaliser Je ne voulais pas passer le reste de ma vie à essayer de vendre du travail auquel je ne pouvais pas vraiment croire. »

    L’exposition inaugurale de la galerie Niru Ratnam rassemble le travail de trois artistes, Lydia Blakeley, Jala Wahid et Kobby Adi, sous le titre collectif de « Suture ». Le mot fait référence à la fois à la recousure d’une blessure et est utilisé par des théoriciens de la culture tels que Stuart Hall pour suggérer comment un individu peut s’identifier à un groupe ou à un discours particulier de manière souvent précaire. Dans le cas de chaque artiste, il n’y a pas de lecture facile de l’œuvre – comme le dit Ratnam, «le fil subtil qui les unit est la façon dont vous négociez votre identité».

    Lydia Blakeley réalise des peintures méticuleuses et sans paupières qui dépeignent chacune divers aspects de la britannicité – un homme blanc assailli se balançant du goulot d’une bouteille de champagne, du maquereau coupé en tranches au marché de Billingsgate et le port de vêtements de loisirs de marque très particuliers – tandis que les trois sculptures métalliques scintillantes scintillamment lamentables par Jala Wahid sont les moulages creux en jesmonite désincarnés des jambes des femmes, drapés de tissu et gelés dans le temps effectuer une danse kurde spéciale exécutée le soir du Nouvel An. Sur le miroir du pub de Kobby Adi, les empreintes digitales vitreuses de l’artiste maculent le cape et le martyre capitaine Morgan, lieutenant-gouverneur de la Jamaïque et la marque du rhum le plus populaire au monde, voyage entreprise Londres qui était également propriétaire d’une plantation et d’un esclave. Des illusions plus subtiles de l’histoire sombre du capitaine sont données par le miroir encadré dans du bois d’Afrique de l’Ouest.

    Malgré le marasme actuel du marché de l’art, Ratnam pense toujours que c’est la meilleure arène dans laquelle apporter un changement durable dans le type d’art qui est privilégié. «Le marché peut être horrible à bien des égards, mais il évolue rapidement, il réagit beaucoup plus rapidement que les institutions», dit-il. «Dans les années 1990, c’est le marché qui a d’abord recruté des artistes comme Steve McQueen, Isaac Julien et Chris Ofili – les institutions sont comme ces grands grands pétroliers, elles mettent tellement de temps à tourner, et quand elles le font, elles peuvent souvent être très maladroites. aussi, comme ils vous font une énorme faveur. « 

    cependant, il ne se fait pas non plus l’illusion que des temps difficiles nous attendent. « Je pense qu’il y aura une baisse d’activité, mais avant le coronavirus, le moment de la foire d’art avait atteint son apogée – ces choses sont d’énormes moteurs à combustion interne qui doivent continuer à dévorer le monde pour continuer », insiste-t-il. « De nombreuses galeries avaient déjà réalisé qu’il n’était pas nécessaire de faire plusieurs foires pour continuer. » Selon Ratnam, l’avenir consiste à être modeste et durable. Parallèlement à son espace central de Londres, il est également en train de convertir une partie de sa maison de Hackney en une salle de visionnement où «nous allons faire des spectacles associés et organiser des dîners dans la maison: j’ai mis en place une machine maigre et moyenne, ce qui signifie que Je fais à peu près tout moi-même. »

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